Appel à communications : Écouter les genres de l’imaginaire

Écouter les genres de l’imaginaire : convergences sonores, musicales et théoriques dans les séries télévisées

📍 Université de Perpignan Via Domitia. 16, 17 et 18 novembre 2023

Organisé par Florent Favard (université de Lorraine, CREM), Aurélie Huz (université Paris-Nanterre, CSLF) et Jérémy Michot (université de Perpignan Via Domitia, CRESEM).

Date d’échéance des propositions : 31 mai 2023

Appel à communications

« You said memories become stories when we forget them. Maybe some of them become songs. » (Clara Oswald, « Hell Bent », Dr Who, S09E12)

Musique et son, séries TV, genres de l’imaginaire : trois axes plus ou moins dynamiques mais indéniablement actuels de la recherche sur les cultures médiatiques, qui les a fréquemment croisés en duo plutôt qu’en trio.  

Ainsi, depuis la fin des années 2000, de nombreux ouvrages, articles et colloques ont été consacrés à l’étude des musiques de séries télévisées, qu’elles soient originales ou préexistantes, instrumentales ou chantées, diégétiques ou non diégétiques, comme en attestent les monographies de Jon Burlingame (1996), Ron Rodman (2010) et Janet K. Halfyard (2014) ou les collectifs de James Deaville (2011) et K. J. Donnelly et Philip Hayward (2013). Pleinement inscrites dans le domaine musicologique, ces recherches peinent néanmoins à trouver une place dans le champ universitaire francophone – le colloque pionnier Musiques de séries télévisées, tenu à Nantes en 2013, n’ayant pas été suivi d’un mouvement d’ampleur – tandis que, par contraste, les television et series studies connaissent un essor important dans la recherche en français. Les perspectives théoriques, fondées sur une narratologie renouvelée, des questions esthétiques ou de réception (Benassi, 2000 et 2020, Sépulchre 2017, Goudmand 2018, Favard 2019) côtoient les travaux sur les séries à succès (Star Trek, Game of Thrones), notamment dans les fan studies (Bourdaa 2015), et certaines réflexions plus spécifiquement consacrées aux séries des genres dits de l’imaginaire, fantasy et science-fiction en premier lieu, dont l’importance médiatique actuelle est indéniable (Favard 2018, Machinal 2020, Breton 2023).

De nombreux travaux ont aussi traité de la productivité sonore de ces genres de l’imaginaire. Toutefois, si les fictions audiovisuelles en constituent le terrain d’étude privilégié (davantage que la chanson ou la radio), les séries y sont largement minoritaires et le cinéma s’y taille la part du lion. En témoigne le riche corpus anglophone sur la musique et le sound design du cinéma de science-fiction (Hayward 2004, Whittington 2007, Bartkowiak 2010, Reddell 2018) : les perspectives génériques s’y articulent à l’histoire des techniques et des pratiques médiatiques – au profit toutefois du deuxième point (comprendre le son et la musique au cinéma) et souvent aux dépens du premier (comprendre le son et la musique dans la science-fiction au cinéma), tant s’est imposée l’idée (problématique) que la science-fiction constituerait « naturellement », par son type de monde, le terrain d’étude par excellence des innovations sonores au cinéma.

C’est pour combler ces lacunes et creuser des perspectives nouvelles que ce colloque choisit donc de partir plutôt d’un problème à trois corps : musique et son, série télévisée et genres de l’imaginaire y composent un trio de coordonnées dont il s’agit d’interroger les rapports mutuels à égalité, en prenant au sérieux les problématiques, les théories et les méthodes que chacun de ces objets a cristallisées autour de lui.

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CALL FOR PAPERS : Sound on Screen

📍 Hybrid conference, Oxford Brookes University, 5th-6th JULY 2023. Deadline for submissions: Friday 24th March 2023 (23:59)

Please submit an abstract of no more than 300 words, an indication of whether you would prefer to appear in person or online, and a brief biography of no more than 150 words to soundonscreen@outlook.com by March 24th 2023.

The second Sound on Screen conference welcomes submissions for 20-minute papers from scholars and practitioners that explore the relationship between music and/or sound and the screen. We welcome submissions from speakers at any career stage (including postgraduate MA or PhD candidates) and from a wide range of disciplines such as musicology, film and television studies, cultural studies, communications studies and so forth. The first Sound on Screen conference invited participants to take their cue from Chion (1994) and Mera et al. (2017) in drawing together ‘different practices and technologies under the same umbrella without attempting to obfuscate the differences that exist between them’. This resulted in a diverse range of topics and speakers, and allowed us to create interdisciplinary panels that brought different fields and viewpoints into fruitful dialogue with each other.  We intend the second Sound on Screen conference to continue this rich discussion and so in addition to inviting any relevant paper proposals, we particularly welcome submissions that engage with the interplay between sound and music on screen, and also considerations of equality, diversity and inclusion in relation to music and sound on screen.  This conference will be held in person at our Headington campus in Oxford, but hybrid options will be available to presenters and delegates.

Topics might include, but are not limited to:

  • Music and sound in narrative film and/or television
  • Music and sound in documentary forms
  • Music and sound in videogames
  • The absence of music and sound in film and television
  • The relationships between music and sound
  • EDI and screen industries
  • Gendered music on screen
  • Music and sound in animated film and television
  • Audience engagement with music and sound on screen
  • Sound on screen as practice: composers and/or sound design
  • Sound effects and/or noise on screen
  • Pre-existing music and sound on screen

The programme committee may, at our discretion, extend the conference to three days if demand deems it appropriate. If your paper is accepted, we will provide the opportunity to select your preferred presentation day, including the potential third day.

The programme committee consists of  Dr. Jan Butler (Senior Lecturer in Popular Music, Oxford Brookes University), Dr. James Cateridge (Senior Lecturer in Film, Oxford Brookes University), and Dr. Matt Lawson (Senior Lecturer in Music, Oxford Brookes University), and Dr. Lindsay Steenberg (Reader in Film Studies, Oxford Brookes University).

The Conference is organised with the support of the Centre of Research in the Arts (CoRA)

Further information can be requested by contacting soundonscreen@outlook.com

Details of the first Sound on Screen conference can be found at Sound on Screen 2021.

Consulter l’appel sur le site internet.

Colloque international : Film Music Unchained

📌 Université de Rouen Normandie
16 et 17 mars 2023

👉🏽 Organisé par Cécile Carayol et Jérôme Rossi, le colloque international Film Music Unchained : à la conquête des codes alternatifs du Western aura lieu les 16 et 17 mars à l’université de Rouen (MDU, salle de conférences), notamment en présence de Kathryn Kalinak et Pierre Berthomieu (keynote speakers).


Résumé des organisateur·rices

Lorsque l’on évoque le genre du western, on pense de prime abord aux productions hollywoodiennes du « cowboy chantant » (singing cowboy) des années 1930 et à la première salve esthétique marquante du western américain des années 40 et 50 avec des cinéastes comme John Ford (La Chevauchée fantastique, 1939), John Huston (Le Trésor de la Sierra Madre, 1948), Fred Zinnermann (High Noon, 1952), Howard Hawks (Rio Bravo, 1959) ou John Sturges (Les Sept Mercenaires, 1960).

L’identité musico-filmique du western a déjà fait l’objet d’études approfondies : outre son ouvrage sur les musiques des films de John Ford (How the West was sung: Music in the Westerns of John Ford, California Press, 2007), Kathryn Kalinak a publié l’ouvrage collectif Music in the Western, Notes from the Frontier (Routledge, 2012) qui, après une première partie sur les topoï musicaux du western hollywoodien classique, consacre sa seconde partie aux outsiders d’Hollywood avec une focale sur les échanges nippo-américains et le duo Leone/Morricone. La dernière partie du livre se centre sur la période contemporaine à travers les analyses de Dead Man (J. Jarmusch, 1995), film, selon Claudia Gorbman, qui annonce la fin de l’ancien western, There Will Be Blood (P.T. Anderson, 2007), ou encore No Country for Old Men (J. & E. Coen, 2007).

L’objectif de ce colloque est d’examiner des codes musicaux-sonores alternatifs à ceux proposés par le modèle historique hollywoodien, afin d’offrir une lecture historique, esthétique et analytique plus complète du genre, depuis le western camarguais français jusqu’au western des années 2010 à travers trois axes principaux : examen des codes de l’Euro-western, entrelacs de l’influence réciproque du western américain et du « western spaghetti », et étude du western contemporain (à partir de 1995) initiant une porosité marquée du genre.

Concours de courts métrages

Le concours de courts métrages Siméa, sur le thème « Hôtel empoisonné », est ouvert aux jeunes réalisateur·rices, selon les conditions précisées dans le règlement ci-dessous.

Il est réservé aux membres de l’association Siméa (l’adhésion gratuite à l’association est donc nécessaire afin de concourir) qui a pour but de valoriser le travail de jeunes compositeur·rices, réalisateur·rices et chercheur·euses. Le court métrage remportant le 1er prix du concours sera mis en musique dans le cadre du « concours de composition Siméa 2023 ». Enfin, il sera diffusé à l’occasion d’un ciné-concert (interprétation par des musicien·nes professionnel·les) à l’université d’Évry le 19 juin 2023.

Participation

Chaque candidat·e devra réaliser un court-métrage en respectant toutes les règles suivantes :

  • Être une création originale ;
  • Ne pas dépasser 6 minutes ;
  • Ne contenir aucun dialogue ;
  • Ne contenir aucune image stock ou préexistante ;
  • Ne contenir aucune musique – seuls les sons in ou bruitages Foley non musicaux sont autorisés ;
  • S’inscrire dans le thème du concours “Hôtel empoisonné” en s’inspirant de la musique éponyme composée par Clément Ferrigno, envoyée aux candidat·es au moment de leur inscription ;
  • Être anonymisé : la version soumise ne devra comporter ni générique, ni texte faisant apparaître le nom des candidat·es ou celui de leur groupe, ni titre ou intertitre.

Récompenses

Le ou la lauréat·e du concours remportera les prix suivants :

  • Mise en musique de son court métrage à l’occasion du 1er concours de composition à l’image Siméa “Hôtel empoisonné”, organisé en avril 2023 ;
  • Diffusion publique de son court métrage lors d’un ciné-concert réunissant des musicien·nes professionnel·les, organisé à l’occasion du 14e congrès international du groupe de recherche Music and Media (MaM) de l’International Musicological Society (IMS) le 19 juin 2023 ;
  • Captation de la musique interprétée lors de la diffusion publique du concert.

👉🏽 Règlement du concours (à lire attentivement)

👉🏽 Adhérer gratuitement à l’association

Jury

Le jury du concours de courts métrage « Hôtel empoisonné » est constitué de :

  • Romain Versaevel (scénariste, script doctor)
  • François Preschez (photographe, responsable pédagogique à l’ESEC)
  • Marianne Tardieu (réalisatrice, scénariste et cheffe opératrice)
  • Hélène Peyrou (script, diplômée de l’ESEC)
  • Jason Julliot (musicologue)
  • Grégoire Tosser (musicologue)

🎮 Retour sur le séminaire “Musiques, sons et jeux vidéo”

Deuxième moment de rencontre dans la vie de l’association : une soirée autour des jeux vidéo. Le 15 décembre 2022 à l’ESEC (Paris, 12e arrondissement), nous recevions des professionnel·les du monde vidéoludique et des chercheur·euses pour nous parler de leur rapport à la musique et aux sons.

William Besserer, chercheur associé à la BnF, diplômé du CNSMDP, retraçait un historique des musiques de jeu vidéo en insistant sur les implications technologiques de celles-ci et en montrant comment l’histoire matérielle du jeu éclaire notre rapport au sonore.

À sa suite, Fanny Rebillard, musicologue et autrice spécialisée, revenait sur l’épineuse question de l’interactivité dans les jeux musicaux, et notamment dans Wandersong (2018).

Photo de l'entretien avec Mathieu Alvado

Enfin, le compositeur Mathieu Alvado nous parlait de son parcours et de son expérience du monde du jeu vidéo, et notamment de Ghost of a Tale (2017). Un entretien passionnant pour tous les spectateur·rices !

Un public nombreux et enthousiaste était présent pour les conférences et pour échanger avec les intervenant·es autour d’un verre en fin de soirée.

Photo du public lors de la conférence de Fanny Rebillard.

Appel à communications : Avant-gardes au prisme du genre dans l’espace germanophone de 1945 à nos jours

📍 Université Jean Moulin Lyon 3 – Lyon
12-14 octobre 2023

Colloque international organisé par Susanne Böhmisch (Aix-Marseille Université), Cécile Chamayou-Kuhn (Université de Lorraine), Sibylle Goepper (Université Jean Moulin Lyon 3), Agathe Mareuge (Sorbonne Université / CNRS), Élise Petit (Université Grenoble Alpes)

Avant-gardes au prisme du genre dans l’espace germanophone de 1945 à nos jours : sociabilités, esthétiques, mémoires

En se fondant sur les acquis de la recherche consacrée aux avant-gardes dites « historiques » au prisme du genre[1], notre colloque se donne pour objectif d’étudier les influences des rapports et logiques de genre dans les pratiques, les productions et l’historiographie des avant-gardes artistiques, des arts expérimentaux, ainsi que de toutes formes d’art se revendiquant ou relevant des marges artistiques de 1945 jusqu’à nos jours. Dans ce contexte, « prisme du genre » désigne aussi bien les questionnements sur la place réservée aux femmes, les rapports femmes-hommes, la catégorisation et hiérarchisation symbolique entre féminin et masculin que les réflexions sur le traitement (social et esthétique) des masculinités alternatives, des identités et sexualités non binaires ou encore l’approche intersectionnelle des processus de minoration de certaines identités genrées.

Tous les champs disciplinaires sont invités à participer : musicologie (musiques savantes et populaires), histoire de l’art, histoire littéraire, esthétique, arts plastiques, architecture, arts visuels (photographie, vidéo, cinéma), arts du spectacle (théâtre, danse, performance, cirque), littérature, etc.

 Le choix de cette périodisation trouve son origine dans un double postulat. D’une part, les évolutions sociétales enclenchées par la « deuxième vague du féminisme[2] » à l’Ouest à partir des années 1960 semblent plus que jamais prédisposer les collectifs et groupes artistiques à faire évoluer les positions, les positionnements et les rapports entre artistes en leur sein. D’autre part, si à l’Est avant-gardes et art expérimental étaient de facto proscrits par le réalisme socialiste, l’égalité formelle garantie par la loi avait, elle, été accompagnée d’avancées sociales réelles dès les années 1950. Cette configuration singulière pouvait, elle aussi, présider au renouvellement des rapports de genre au sein des avant-gardes émergeant dans les années 1970 et 1980[3]

On connaît par ailleurs la thèse selon laquelle la perpétuation de schémas patriarcaux dominants au sein des avant-gardes historiques a mené à une expérience de « marge dans la marge » pour les femmes artistes, du point de vue des modes de fonctionnement, de l’affirmation de leur identité genrée, puis lors du travail de commentaire et d’historicisation de ces mouvements. Nous aimerions examiner cette thèse en la reproblématisant pour la période postérieure à 1945, et en menant nos réflexions jusqu’à l’époque contemporaine. Les expériences des femmes dans les milieux avant-gardistes post-1945 et, plus généralement, les rapports de genre en leur sein correspondent-ils à ce schéma de double marginalisation ? Ces phénomènes touchent-ils d’autres identités genrées (artistes homosexuel.le.s, queer) ? Comment se manifestent-ils ? Les paramètres de “race” et de classe les accroissent-ils ? Quand marginalisation et invisibilisation interviennent-elles : du vivant des artistes ou plutôt par la suite ? 

On ne saurait pour autant réduire leur statut à celui de subalternes et/ou d’exclu.e.s. Quelles sont alors les stratégies mises en place pour y faire échec et le dépasser ? Quelles sont les pratiques de “démarginalisation” à l’œuvre et comment affectent-elles tant le champ dominant que le champ avant-gardiste lui-même ? Assiste-t-on à une variation originale de l’aporie de l’avant-garde, mouvement « mort-né »[4], portant en lui sa propre destruction ? Avec quels résultats singuliers sur le plan des modes de fonctionnement, des esthétiques élaborées, mais aussi des filiations revendiquées et du rapport à la postérité ? Sur le plan discursif, y a-t-il une manière genrée de se construire et de se définir du côté des artistes ? Du côté de la réception, comment les discours genrés sur les pratiques artistiques des avant-gardes ont-ils évolué au gré des contextes ? Faut-il nécessairement se revendiquer d’une “avant-garde”, qui plus est féministe ou explicitement “genrée”, pour être considéré.e comme en relevant ? 

Les corpus étudiés seront issus des pays germanophones ou du champ franco-allemand.

Propositions attendues

Les propositions, en français, allemand et anglais pourront s’inscrire dans l’un ou l’autre des axes suivants :

Axe 1 – Égalité dans les marges ? Utopie et réalité 

 On s’intéressera au fonctionnement des avant-gardes après 1945 du point de vue sociologique et politique : place des femmes, rapports de genre, discours des acteurs et actrices sur ces sujets, objectifs en matière d’égalité femmes-hommes au sein du champ artistique, organisation des réseaux nationaux et transnationaux, présence dans les institutions. Quelles réussites, quels échecs ? De quelle manière les luttes politiques et militantes (révolution sexuelle, combat pour l’égalité, pour le droit à disposer de son corps, etc.), ainsi que les débats intellectuels à partir de 1968 et jusqu’à nos jours interagissent-ils avec les pratiques artistiques et les réflexions esthétiques ? Quelles évolutions observe-t-on pour les femmes, et pour les hommes, au fil des décennies ? 

 Axe 2 – Les esthétiques des avant-gardes pour dire le genre 

 On questionnera l’impact des logiques de genre sur l’élaboration des esthétiques et sur la réappropriation singulière des formes et procédés avant-gardistes par les artistes : apports de l’affirmation des identités genrées, renouveau des représentations du masculin et du féminin, nouvelles figurations des corps, spécificité des supports et des médiums auxquels on recourt, utilisation de techniques et technologies spécifiques. Les pratiques inter- ou transmédiales et pluridisciplinaires jouent-elles un rôle particulier dans ce contexte ?

Quels sont les genres artistiques qui font le mieux « parler le genre » ? Certains arts résistent-ils plus que d’autres à ces questionnements ou s’en emparent-ils selon des temporalités différentes ?

Axe 3 – Filiations, canon et postérité

 La recherche récente a démontré que les femmes artistes connues et reconnues de leur vivant disparaissaient bien souvent au cours de l’Histoire. On s’interrogera donc sur la dimension genrée de l’historiographie des avant-gardes produite après 1945 par les artistes, les institutions et la critique. Les femmes produisent-elles un discours différent de celui des hommes sur cette question ? Dans quelles traditions s’inscrivent-elles, quelles filiations se dessinent alors ? Comment les femmes ont-elles travaillé ou non à leur propre postérité ? Qui écrit l’histoire des avant-gardes et fixe une mémoire – un canon –, selon quelles logiques d’inclusion, d’exclusion, de falsification, d’idéalisation, de muséification, etc. ? La réflexion pourra être élargie aux autres identités de genre.

 Axe 4 – Le genre pour une avant-garde contemporaine ? 

 À l’heure où l’innovation est devenue mainstream, on peut se demander si la notion d’avant-garde n’est pas devenue obsolète. Comment définir marges et marginalités dans un monde globalisé, parfois perçu comme dénué de centre – car cousu d’innombrables réseaux –, et dessiné au gré de nombreuses mobilités ? Le genre serait-il l’un des marqueurs de ce que pourrait être une avant-garde contemporaine, laquelle entrerait en résonance avec des enjeux sociétaux actuels ou adopterait des formes exploratoires pour traiter ces sujets ? Comment les modes d’organisation et de diffusion adoptés (structures auto-gérées, réseaux numériques, festivals, etc.) y contribuent-ils ? Y a-t-il à ces endroits une rencontre entre problématiques liées au genre et pratiques avant-gardistes ?

Les propositions sont à envoyer à l’adresse suivante : gender.avantgarde@gmail.com d’ici le 31 mars 2023. Elles prendront la forme d’un abstract de 500 mots environ, accompagné d’une courte bio/bibliographie. Les réponses seront communiquées fin avril 2023. Une publication est prévue.

Comité d’organisation

  •  Susanne Böhmisch (Échanges, AMU)
  • Cécile Chamayou-Kuhn (CEGIL-Metz, Université de Lorraine)
  • Sibylle Goepper (IETT, Lyon 3)
  • Agathe Mareuge (REIGENN et Centre André-Chastel, Sorbonne Université/CNRS)
  • Élise Petit (LUHCIE, UGA)

[1] Guillaume Bridet, Anne Tomiche (dir.), Itinéraires, 2012-1, « Genres et avant-gardes » [En ligne] : https://journals.openedition.org/itineraires/1223 (dernière consultation : 15/10/2022).

[2] Bibia Pavard, « Faire naître et mourir les vagues : comment s’écrit l’histoire des féminismes », Itinéraires, 2017-2 [En ligne] : http://journals.openedition.org/itineraires/3787 (dernière consultation : 15/10/2022).

[3] Angelika Richter, Das Gesetz der Szene. Genderkritik, Performance Art und zweite Öffentlichkeit in der späten DDR, Berlin, transcript, 2019.

[4] François Noudelmann, Avant-garde et modernité, Paris, Hachette, 2000.

Publication : Musique et design sonore

📕 Filigrane, n° 27, Grégoire Tosser et Chloé Huvet (dir.), « Musique et design sonore dans les productions audiovisuelles contemporaines », novembre 2022

Depuis l’adoption généralisée des technologies numériques, on est frappés de remarquer que les frontières sonores entre la parole, les bruitages et l’accompagnement musical se font de plus en plus poreuses. Ce numéro tente de sérier les problématiques et les enjeux qui découlent de ce décloisonnement sonore, et d’appréhender les relations renouvelées entre dialogue, bruits et musiques, ainsi que le rôle du silence.

Sommaire

Éditorial (Grégoire Tosser et Chloé Huvet)

Hybridités music-sonores : repenser l’écoute cinématographique

« From Separation to Integration. Strengths and weaknesses of sound-design film music » (Emilio Audissino)

« Le continuum sonore dans Arrival comme pratique exemplaire du montage sonore : la différenciation et l’invention de l’écoute au cinéma » (Frédéric Dallaire et Simon Gervais)

« Manifesting Emotion in the Magical World: Dissolving Boundaries between Music and Sound in the Natural and the Magical in order to highlight emotion in Harry Potter Films » (Jamie L. Webster)

« Refonder Alien : création musicale et sonore dans Prometheus et Alien: Covenant (Ridley Scott, 2012-2017) » (Chloé Huvet)

« Aux confins de la musique et du design sonore : une exploration de l’œuvre filmique de David Lynch, d’Eraserhead (1977) à Twin Peaks: The Return (2017) » (Emmanuelle Bobée)

« Christophe Heral : dissoudre les frontières entre les catégories de sons » (Laetitia Pansanel-Garric)

« L’illu-son du silence : l’exemple de Drive (2011) de Nicolas Winding Refn » (Gérard Dastugue)

Terreurs du surnaturel contemporain : à l’écoute des productions audiovisuelles horrifiques

« The Long Night : la multiplicité sonore. De la relation entre son et musique dans Game of Thrones » (Julie Mansion-Vaquié)

« Conspiracy of Terror: Music, Sound Design, and the Female Scream in Horror Trailers » (James Deaville)

« L’art des nappes synthétiques (synth pads) : harmonie-timbre et sound design dans The Neon Demon (N. W. Refn, 2016) » (Jérôme Rossi)

« Entre les bruits et la musique – l’écriture sonore dans les films de fantômes japonais contemporains » (Demian Garcia)

Compte-rendu

« Márta Grabócz, Narratologie musicale, topiques, théories et stratégies analytiques » (Isotta Trastevere)

Siméale n° 2 : Musiques, sons et jeux vidéo

📍 Jeudi 15 octobre 2022, 19h30.
ESEC (Paris, 12e arrondissement).

Musiques, sons et jeux vidéo, voilà un thème souvent méconnu par celles et ceux qui s’intéressent aux arts audiovisuels ! Pourtant, depuis de nombreuses années, le jeu vidéo apparaît comme une terre de liberté pour des compositeur·rices toujours prêt·es à repousser les limites de leur création…

Nos intervenant·es

Mathieu Alvado, compositeur de jeu vidéo (Ghost of a Tale) et de cinéma, arrangeur et orchestrateur (The Adventure of Tintin, Rayman Legends…).

Fanny Rebillard, musicologue, journaliste spécialisée dans les jeux vidéo, autrice de La musique dans Zelda : les clés d’une épopée hylienne (2021).

William Besserer, musicologue, chercheur associé à la BnF, diplômé du CNSMDP.


🎟 Entrée libre sur réservation indispensable : cliquez ici.

💻 L’événement sera diffusé en visioconférence. Pour obtenir le lien de connexion, merci d’écrire à l’adresse mail de contact : simea.association@gmail.com

Publication : Ennio Morricone, et pour quelques notes de plus…

📘 Chloé Huvet (dir.), Ennio Morricone : et pour quelques notes de plus…, Éditions universitaires de Dijon, collection “Musiques”, 2022, 322 p., 20€.

Qui n’a jamais siffloté les quelques notes d’harmonica d’Il était une fois dans l’Ouest, ou imité les cris de coyote qui ouvrent Le Bon, la Brute et le Truand ? Surtout associé aux « westerns spaghetti » de Sergio Leone, Ennio Morricone a pourtant forgé certains thèmes les plus connus de l’histoire du cinéma et collaboré avec Dario Argento, Giuseppe Tornatore, Pier Paolo Pasolini, Roland Joffé, Henri Verneuil ou encore Brian De Palma. Oscarisé une première fois en 2007 pour l’ensemble de sa carrière, il obtient une nouvelle statuette pour Les Huit Salopards de Quentin Tarantino. Profondément éclectique, son œuvre est tournée vers l’expérimentation tout en empruntant aux musiques populaires et de variété.

Premier ouvrage scientifique français dédié à Morricone, ce volume rassemble les contributions de chercheurs issus de la musicologie et des études cinématographiques, ainsi que de compositeurs pour l’image. Il s’adresse aussi bien aux spécialistes, cinéphiles et mélomanes qu’au grand public désireux d’en savoir plus sur le parcours, le style et l’esthétique de l’un des plus emblématiques compositeurs pour l’image du XXIe siècle.

Ont participé à cet ouvrage : Moreno Andreatta, Julien Bellanger, Roberto Calabretto, Cécile Carayol, Gérard Dastugue, Philippe Gonin, Laurent Guido, Chloé Huvet, Ondine Razafimbelo, Jérôme Rossi, Franco Sciannameo, Tim Summers.

📚 Lien vers le site de l’éditeur

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